Christian Bouchard

Commence par la guitare électrique puis classique puis électrique puis électrique préparée puis... plus de guitare mais de l’électroacoustique! Études au Conservatoire de Musique de Montréal. Touche à la musique pour le théâtre, le film, l’installation, le direct avec le quatuor Theresa transistor, la musique électronique et principalement la musique électroacoustique. Remporte des prix de composition de concours nationaux et internationaux, le plus récent étant le Joseph-S. Stauffer du Conseil des Arts du Canada. Christian Bouchard travaille également comme preneur de son en cinéma et télé-série.


Programme

Birdscape(2021-22) 14’ – création

Matière : chants d'oiseaux.

Fleurs sonores de la terre, premières mélodies terrestres, oscillateurs aux modulations complexes. Transposés, explosés, hachurés, permutés en de nouvelles espèces. La survie... Tout de même, une trace de leur trajectoire de vol mise en espace : figures en huit de l'hirondelle, courbes variées et saccadées de la chauve-souris, vols stationnaires et déplacements hyper-rapides de l'oiseau-mouche, lignes verticales de l'oiseau de proie, le sur-place du coucou, clusters, voiliers, etc...

Autour d'un nid électronique. Intempéries, chasse, jeux intimes, calme diurne, menace nocturne, l'humain et ses machines, l'ornithologue silencieux. Voici l'orchestre de bipède ailé.

Réalisé avec l'aide du Conseil des Arts et des Lettres du Québec.

Marie-Jeanne Wyckmans

Rocourt (Belgique) - 1954. Bruiteuse professionnelle, sa passion pour le son et l’écoute l’amène à découvrir la musique acousmatique en 1984, lors du 1er festival acousmatique international «L’Espace du Son» à Bruxelles.

Elle obtiendra un premier prix (1990), puis le Diplôme Supérieur de composition acousmatique (1993) dans la classe d’Annette Vande Gorne aux Conservatoires Royaux de Bruxelles et de Mons.

Tout en poursuivant son métier dans le monde du cinéma, elle y adjoint la création sonore : composition de musiques acousmatiques, musiques d’application pour le spectacle, pour la danse, pour des expositions et pour la radio.

Composition de musiques acousmatiques : Icebergs(quadriphonie), Murmurations (octophonique), Fin de Crise, L’Odeur du Soufre, (quadriphonie), Ce qu’entend le noyé, L’Hubris du Monde, Voyage-Mirages, Le Parti Flou des Sons, Paysages, Voyage, voyage (clip musical), Mouvement Browniens, Trajet, Appels, Tableau, La Terre et le Ciel, Envols 1, Alchimie, L’absence du Vide.

Programme 

l'Odeur du soufre (2020) 10’11"

Quelque chose dans l'air sent le soufre, nos sens nous alertent. La pièce est en quadriphonie (et réduction stéréo) pour nous immerger dans ces sensations qui nous entourent.

« Ce monde est un système de choses invisibles manifestées visiblement »

Saint Paul. Hébreux 11

« Les actions funestes sont, par leur nature, des poisons qui d'abord font à peine sentir leur mauvais goût, mais brûlent comme des mines de soufre… dès que la violence s'en mêle. »

William Shakespeare Othello (1604)

Citation légèrement modifiée d'un mot (« actions » au lieu d’« idées »). Dans l’histoire actuelle, la mauvaise foi a de nombreux effets néfastes sur la Vie.

Cette musique a été faite dans l'espoir de conjurer le sort qui vient d’une prémonition.

Réalisée au Studio Métamorphoses d’Orphée avec l’aide de la Fédération Wallonie-

Bruxelles, département de la musique.

Notice GB

Martin Bédard

Mes travaux actuels se concentrent principalement sur l’approfondissement et l’exploration des possibilités discursives des musiques audionumériques. À une ère où la création sonore est marquée par la fascination pour les nouveaux contenants médiatiques, la recherche sur les notions de discours m’interpelle beaucoup. Mes architectures sonores questionnent la grammaire de l’organisation sonique et les éléments constituant les possibles discours de l’audible. Elles cherchent à explorer davantage de nouvelles rhétoriques par le biais d’interdisciplinarités médiatiques conceptuelles de nature audiovisuelle (cinéma), littéraire (Nouveau roman, Oulipo, rhétorique), artistique (arts visuels, architecture) ou scientifiques (sciences naturelles entre autres). À cet effet, j’ai déposé en 2012 une thèse (Du langage cinématographique à la musique acousmatique: écritures et structures) portant sur les arrimages possibles entre la grammaire cinématique et la musique audionumérique. 

Programme

Honey (Architectures From Silence No. 1) (2021) 17’27" – création

À MH et Lili…

La nature même du miel est pour moi un modèle naturel inspirant, dans la vie et particulièrement quant à la réalisation de cette œuvre. Le miel est le fruit d’une longue transformation. Au lieu d’être sécrété spontanément, il est issu d’un long processus de métamorphoses qui débute par des matières quasi volatiles (pollen, nectar) évoluant ainsi dans un processus de densification continu pour aboutir à une texture riche, dense, et ce, jusqu’à la cristallisation. L’abeille recueille, unifie, transfigure et transfuse: elle permet le passage du pollen au miel, c’est-à-dire qu’elle fait d’une poudre, d’une dispersion sans ordre, un liquide structuré et unifié. Le symbolisme du miel est associé à la transformation et à la synthèse. Le miel représente également une période de récolte et d’abondance.

Honey (Architectures From Silence No. 1) propose une architecture sonore ayant donc comme trame de fond:

·     la transformation et la métamorphose des matières vers la densification et la transfiguration;

·     la richesse matériologique et l’abondance associées à une période de récolte;

·     la profondeur de la rétrospection et ses possibilités temporelles et musicales qui récapitulent le chemin accompli jusqu’à la période de moisson; et

·     la poésie reliée aux transformations invisibles, à la reconnaissance, au plus grand que soi.

J’accorde également, en relation avec ces thématiques explorées dans Honey (Architectures From Silence No. 1), un souci sonore particulier à l’évolution architecturale et formelle de l’œuvre grâce à une approche plus structurelle du montage mettant particulièrement l’accent sur une certaine non-linéarité et fragmentation entre les grandes unités et leurs sous-unités de l’œuvre tout en recherchant une cohésion locale (gestes, phrasés, techniques et procédés de liaisons, principe de cause à effet) et holistique (l’œuvre dans son entièreté). L’œuvre emprunte un parcours polyphonique aux lignes constamment interrompues où la discursivité est animée par les notions de parenthèses, de parenthèses dans la parenthèse, de ruptures et de mise en abyme, ce qui laisse supposer un départ rhizomatique quelque peu déroutant principalement dans la première partie de l’œuvre. Par contre, au fil des énonciations, un développement exponentiel émerge en poussant à terme le discours propre à chacune des voix qui furent présentées lors de ces multiples apparitions antérieures.

Réalisé avec l'aide du Conseil des Arts de Longueuil.

Martina Lussi

Martina Lussi (1987*) crée des compositions musicales, présente des installations et se produit en direct dans divers contextes. Sa pratique artistique s'articule autour de l'acte d'écoute. Ses compositions incorporent des enregistrements de terrain, des sons synthétisés et de la voix. Elle utilise une grande variété de matériaux et crée de vastes paysages sonores. Son dernier album "Balance" est sorti numériquement le 3 septembre 2021 et sur vinyle en mai 2022 par Präsens Editionen. Elle est titulaire d'un Master of Arts in Contemporary Arts Practice et vit et travaille à Lucerne, en Suisse.

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Programme

Akousma Mashup (2022) 17’30" – création

Martina Lussi a choisi de nous offrir un mixage exclusif, réalisé en direct, de trois de ses œuvres : des extraits de son album « Balance » (Präsens Editionen , 2021), des enregistrements de terrain (Birdsongs) et la trame d’une installation sonore (The Listener). Un mashup qui montre bien l’étendue des pratiques de l’artiste.

Nicolas Bernier

Le travail de Nicolas Bernier est ancré dans le sonore. Au centre de ses recherches se trouvent plus spécifiquement des questionnements sur la performativité du son électronique, un travail nourri par le dialogue avec les arts visuels, la danse, la littérature, la photographie, l’image en mouvement, le design et le théâtre. Au sein de cet éclectisme demeure une constante : la recherche d’un équilibre entre cérébralité et sensualité ainsi qu’entre matières organiques et traitements numériques. Son travail s’est mérité un Golden Nica au Prix Ars Electronica 2013 (OEuvre), l’une des plus hautes distinctions dans le monde des arts numériques. Ses créations captent l’intérêt d’événements majeurs tel que SONAR (OEuvre), Mutek (Canada), DotMov Festival (Japon), ZKM (OEuvre), Transmediale (OEuvre) et est disponible sur plusieurs étiquettes de disques telles que LINE (É.-U.), leerraum (Suisse) et OEuvre (OEuvre). Il détient un doctorat de la University of Huddersfield (R.U.) et est professeur au secteur des musiques numériques de l’Université de Montréal. Il est membre de Perte de signal, CIRMMT et Hexagram, centres de recherche en arts numériques.

Programme 

Aluminium (2022) 9’30" – création

L’artiste sonore Mo H. Zareei a créé un instrument nommé Material Sequencer : un séquenceur électromécanique à 8 pas dans lequel un solénoïde frappe un bloc de matière physique pour générer différents patrons rythmiques. Zareei a invité quelques artistes à composer une nouvelle œuvre avec le dispositif, mon bloc de matière étant l’aluminium.

J’ai utilisé le séquenceur pour déclencher des signaux de contrôle d’un synthétiseur Moog Mother-32 couplé à des pédales d’effet. Bien que le résultat final soit une pièce fixée sur support, la pièce est essentiellement interprétée en direct par la superposition de 3 improvisations. Derrière les nappes synthétiques se cache le son acoustique des percussions généré par le séquenceur, soulignant son importance dans le déclenchement des événements.

La structure est composée de deux parties antagoniste : un premier mouvement énergique avec de courts paramètres d'attaque et un second mouvement avec des enveloppes amples.

Lea Bertucci

Lea Bertucci is an experimental musician, composer and performer whose work describes relationships between acoustic phenomena and biological resonance. In addition to her longstanding practice with woodwind instruments, her work incorporates spatialized speaker arrays, radical methods of free improvisation and creative misuses of audio technology. In recent years, her projects have expanded toward site-specific and spatially aware projects that initiate new access points to architecture. Her approach to music is marked by dense masses of sustained dissonance and a fascination with the sonic substance of common experience.Her discography spans over a decade, with eight full-length solo albums and a number of collaborative projects. In 2018 and 2019, she released solo albums Metal Aether and Resonant Field on NNA Tapes, and has since gone on to found her own label, Cibachrome Editions, with 2021’s A Visible Length of Light as the inaugural release followed by 2022’s Murmurations, a duo with Ben Vida.   

Programme

You and I Are Earth, the Waves Crash Within Us (2022) 20’

Une pièce pour voix, bandes magnétiques, flûte et électronique. Commande du GRM créée à Paris le 17 avril 2022 dans la cadre de la 17e édition du festival Présences électronique.

Alain Thibault

Les musiques de Alain Thibault ont été présentées sur les scènes locale et internationale dans plusieurs contextes, notamment dans des manifestations de musique contemporaine et d’art numérique en Amérique du Nord, en Europe et en Asie. En tant que commissaire et directeur artistique dans les domaines de l’art contemporain numérique, de la musique électronique et de l’art sonore, Alain Thibault est également le fondateur de deux événements majeurs à Montréal :  ELEKTRA, activité présentant des performances en art numérique depuis 1999, et la BIAN, Biennale internationale d’art numérique, orientée vers les expositions, les installations et l’art public depuis 2012. 

Programme

Cinq Nôs ultramodernes (2022) 15’ – Pilote

C’est en relisant les Cinq Nôs modernes de Yukio Mishima que m’est venu l’idée de créer ces Cinq Nôs ultramodernes. S’est alors imposé comme étant « ultramoderne » l’exploration spatiale, associant notamment la lenteur caractéristique du déploiement narratif du théâtre japonais Nô aux déplacements des astronautes dans l’espace. Cette première pièce, un pilote en quelque sorte, prend comme point de départ l’arrivée sur la lune de Neil Amstrong et de Buzz Aldrin lors de la mission Apollo 11. La composition se caractérise par l’utilisation de ces bips sonores, annonçant et fermant les communications du centre de commande de Houston. Ces Quindar Tones, d’une durée de 250 millisecondes, avaient des fréquences respectives de 2525 Hz lorsqu’on pressait le bouton en intro et de 2475 Hz lorsqu’on le relâchait, indiquant ainsi la fin de la transmission. En reprenant des extraits des transcriptions de cette première mission sur la lune, dites par des voix de synthèse, le résultat global se veut à la fois narratif et abstrait, avec une qualité quelque peu surnaturelle, autre caractéristique du Nô.

Pauline Patie

Pauline Patie est une compositrice française de musique électroacoustique. Basée à Montréal, elle étudie en maîtrise en composition et création sonore dans le département de musique numérique de l'Université de Montréal. Son travail a été récompensé par le prix Marcelle-Deschênes 2021 (Université de Montréal), et a reçu les mentions d'honneur au concours international de musique électroacoustique de MusicaNova (Prague) et de la Fondation Destellos (Argentine). Intéressée par l'effet de transe, ses créations explorent l'association de l'inconfort et de l'apaisement pour l'auditeur. Elle interroge ainsi la mystérieuse réactivité du corps à l'immersion et sa causalité.

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Programme 

Cent sens [A/V] (2022) 15’ – création

Depuis l’enfance nous sommes influencés par des codes visuels et sonores qui participent aujourd’hui à notre manière de percevoir le monde. Dans cette performance j’ai donc cherché à explorer ma subjectivité dans l’élaboration d’un discours expressif de formes et de sons abstraits.

JTTP 2022

Œuvres lauréates du premier prix à la 23ᵉ édition du concours Jeu de temps / Times Play (JTTP 2022) de la Communauté électroacoustique canadienne (CEC)

JTTP - Latin America

Elliot Yair Hernández López

Né le 3 juin 1999 à Mexico.
Il a étudié l'art sonore avec Manuel Rocha Iturbide, la composition électroacoustique avec Edmar Soria et l’art électronique avec Hugo Solis. Il a présenté ses œuvres audiovisuelles et pièces électroacoustiques dans différents pays tels que le Mexique, la Colombie, le Pérou, l'Argentine, les États-Unis, le Canada, le Royaume-Uni, le Japon, le Portugal, la Suisse et l’Autriche. Il a récemment remporté le concours international “Young Lion*ess of Acousmatic Music” et a remporté la première place du prix JTTP Amérique latine .En tant qu'artiste numérique, il cherche à expérimenter avec différents objets et différentes disciplines pour créer des pièces immersives, réflexives et abstraites dans le but de d’offrir au public des sensations et des émotions à travers des éléments audiovisuels.

Programme

Ritual (2021) 5’25’’
"Ritual" est une exploration sonore qui combine des sons quotidiens transformés numériquement ; la pièce raconte l'histoire d'un être piégé dans un rêve éternel qui se répète à l'infini, chaque répétition étant une étape de rêve de plus en plus profond.

• Fermez les yeux, inspirez et expirez, répétez trois fois.
• Qu'est-ce que j'écoute?
• Bougez, sentez le son.
• Qu’est-ce qui se passe?
• Un rêve, un rêve qui devient réalité.
• Entendez-vous les voix?
• J'ai l'impression d'être pris au piège, c'est tellement irréel comme sentiment.
• Que ressentez vous?
• De l’angoisse, comme si tout se refermait autour de moi.
• Entendez-vous les cloches?
• Non, je n'entends rien, je sens seulement ce corps qui me tient, dans une éternelle illusion.
• Écoutez attentivement le mantra....
  

JTTP - Canada

Joseph Sims

Joseph Sims est un électroacousticien émergent qui se concentre sur la composition multicanal et la conception sonore pour les médias visuels. Avec des racines dans la musique folk, son approche compositionnelle reste ancrée dans l'intuition et met l'accent sur le potentiel cinétique de l'organisation sonore. Il doit à sa formation en arts visuels d’Avoir développé un vif intérêt pour les projets multidisciplinaires. Cela se traduit par une collaboration fréquente avec, des cinéastes et des artistes. Il termine actuellement son baccalauréat en études électroacoustiques à l'Université Concordia.

Katie Finn

Katie est une illustratrice et cinéaste d’animation émergente née à London, Ontario et vivant/travaillant actuellement à Montréal. Son travail incorpore un mélange de techniques analogiques et numériques, explorant de nouveaux médiums afin de servir les possibilités expérientielles et narratives de l'animation. Elle a terminé son baccalauréat en cinéma d'animation à l'Université Concordia en 2022. Katie fera toujours du cinéma d’animation!

Programme

e (mi) [A/V] (2022) 7’11’’ 

e (mi) est une composition audiovisuelle collaborative créée par Joseph Sims (son) et Katie Finn (animation). La pièce explore l'esthétique contemporaine et historique de la musique visuelle, affichant une variété de relations gestuelles et texturales entre le son et l'image. L'objectif était de créer même un statut hiérarchique dans les visuels et le son. Ceci a été réalisé par chaque artiste influençant les deux médiums à différentes étapes de la création. Les structures macro et mezzo ont été déterminées par une partition visuelle, tandis que l'énergie gestuelle et l'esthétique texturale ont été réalisées à travers le matériau sonore.

Vanessa Massera

Vanessa Massera est spécialisée en musique électroacoustique, un médium qu’elle utilise pour exprimer des idées poétiques tout en étant ancrée dans les multiples espaces et environnements culturels qui nourrissent son inspiration.

Ses oeuvres ont été présentées, entre autres, lors des festivals EBU Euroradio Folk Festival (Russie), Svensk Musikvår (Suède), NWEAMO (Japon), EMUFest (Italie), Música Viva (Portugal), NYCEMF (ÉU), Sound Travels (Canada) et Aimaako (Chili). Sa pièce Éclats de feux a obtenu le 2e prix du concours Jeu de temps / Times Play (JTTP) de la Communauté électroacoustique canadienne ne 2016.

Après des études au Conservatoire de musique de Montréal (2008-12), elle reçoit un doctorat en 2019 de The University of Sheffield (RU) pour sa thèse Environment in Electroacoustic Music.

Programme


Border Crossing (2018) 10’21"

Border Crossing est une œuvre qui a fait partie d’un jeu de rôle grandeur nature (JRGN; en anglais: Live-Action Role-Play [LARP]) réalisé au Royaume-Uni et dont le thème était la crise des migrants en Europe. Ce JRGN visait à conscientiser aux défis que ces gens doivent relever et aux conditions dans lesquelles ces défis se présentent. Border Crossing est la représentation symbolique du passage, à l’aveugle, du pays d’origine au suivant, sans savoir à quoi ressemble la route ni combien de temps le trajet durera.

[electrocd.com]

L’œuvre a été réalisée en 2017-18 à l’EMS (Stockholm, Suède) et a été créée le 24 mai 2018 durant l’événement The Quota au The Gaol, à Oakham (Pays de Galles, RU). Elle est une commande du Avalon larp studio. Merci à Martine Svanevik pour cette belle collaboration.

Philippe-Aubert Gauthier

Philippe-Aubert Gauthier est artiste, ingénieur mécanique, maître ès sciences, docteur en génie mécanique (acoustique) et professeur à l'Université du Québec à Montréal, à l'École des arts visuels et médiatiques. Son travail est à la croisée des arts, des sciences et des technologies. Il a produit plus d'une cinquantaine d'œuvres en musique, arts sonores et numériques. Initialement formé à la basse électrique, il a progressivement transposé sa pratique musicale et sonore vers le monde de l'électronique et de l'informatique. Il est actuellement directeur associé du Centre for Interdisciplinary Research in Music, Media and Technology.

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Programme


Une idée apparaît, c’est effrayant, la métaphore se déplace (2022) 16’

Assemblage. Une somme chronologique d’appariements improbables de sons et d’influences alliant littérature, réalisme magique, culture populaire, musique ultra-pop, penchants bruitistes, drone, électronique, acoustique, silences et chatoiements rythmés. D’apparence arbitraire, c’est une somme de citations nichées qui édifie ce montage ponctué d’improvisations parcellaires, morcelées. Un magma de contrastes dénudés. Parties, mouvements et notes se confondent dans un labyrinthe d’électroniques et de modulaires.  

Antoine Lussier

Antoine Lussier se passionne pour l’onde sonore depuis toujours. Il a enchaîné durant plusieurs années des tournées internationales avec son groupe Ion Dissonance (guitariste, compositeur), mais aussi au sein de formations pop, rock, hip-hop, blues et tzigane. Actuellement ingénieur du son et producteur, allant de la réalisation à l’enseignement, il poursuit cette aventure musicale en œuvrant dans la composition acousmatique, ainsi que dans les différents secteurs de la musique à l’image (sonorisation de court métrage et création musicale et sonore pour le jeu vidéo). Diplômé du baccalauréat en musiques numériques de l’Université de Montréal, il poursuit sa maîtrise en recherche-création dans ce même établissement. Son dévouement pour la recherche se dessine dans le but d’approfondir les fonctions de l’instrument qui lui a permis d’en arriver là: le studio.

Programme

Disjonction (2018) 10’30"

Différentes possibilités de manipulations temporelles offertes par le montage ont été explorées lors de la composition de Disjonction. Grâce à la synthèse et à l'enregistrement sonore, de minuscules singularités ont engendré des constructions expansives. De ces gestes lumineux et de ces vastes mouvements, l'obscurité apparaît. Une aura mécanique et électrique alimente la pièce d'un point de vue matériel, traçant un parcours discursif à la temporalité incertaine; un parcours imaginaire d'une chronologie fragilisée par le désordre.

Franck Vigroux

Il évolue dans un univers où se croisent musique, théâtre, danse et vidéo. Sans barrières de style il parcourt un temps les scènes des musiques expérimentales et improvisées puis son évolution musicale le mène vers les musiques électroniques. Parmi ses nombreuses collaborations musicales on peut citer Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper T. Toeplitz, Phill Niblock ou encore l’Ensemble Ars Nova. Après avoir réalisé des «albums concepts», des films expérimentaux, collaboré avec des auteurs de théâtre, poètes sonores et autres chorégraphes, il s’intéresse de plus en plus aux formes audiovisuelles live et à l’écriture de plateau, ce qui le mène peu à peu à mettre en scène sa musique à travers des spectacles pluridisciplinaires. A partir de 2010, il monte ses premières productions avec la compagnie d’Autres Cordes. Ses disques sont édités par les labels Raster Media, DAC Records, Radio France Signature, Leaf, Cosmo Rhythmatic, Erototox.

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Programme 

Matériaux II (2018) 20’00"

Matériaux II s’inscrit dans la continuité de mes pièces électroacoustiques Matériaux et Tension, ce type de textures, de masses en mouvement, de ruptures et de dépouillement. Disons que je tourne et retourne dans tous les sens possibles une même dramaturgie musicale depuis plus d’une décennie, et qu'encore une fois j’espère en tirer un nouveau "récit". Il s’agira d’un concert live, avec mes instruments hardware habituels, qui s’appuiera sur une structure et des matériaux sonores bien précis mais avec une part de flexibilité dans mon rapport au temps, influencée par l’acoustique de la salle, que je ne connais pas, le système que je ne connais pas non plus, bref une partie de la forme elle même de la pièce possède une part d’inconnue… et c'est tant mieux !

Myriam Boucher

Compositrice sonore et visuelle, Myriam Boucher vit et travaille à Montréal, Canada. Son travail sensible et polymorphe porte sur la relation entre la musique, le son et l’image. Fascinée par la nature, elle crée de la musique visuelle inspirée du paysage et du rapport que l’être humain entretient avec celui-ci. Sa création est orientée vers des œuvres de musique visuelle, de performance audiovisuelle, de paysages sonores et de projets immersifs.

Programme

The Tuning of the Fields [A/V] (2022) 25’ - création

The Tuning of the Fields est une performance audiovisuelle cherchant à évoquer ces moments de solitude et d’émerveillement, et ce sentiment de temps suspendu qui nous habite à l’écoute du chant des grillons, les yeux fermés, la nuit, étendu dans un champ.

Thomas Ankersmit

Thomas Ankersmit est un musicien et artiste sonore basé à Berlin et Amsterdam. Il joue du synthétiseur modulaire Serge, en direct et en studio, et collabore avec des artistes comme Phill Niblock et Valerio Tricoli. Sa musique est publiée sur les labels Shelter Press, PAN et Touch, et combine des détails sonores complexes à une puissance électrique brute, avec une expérience sonore très physique et spatiale. Les phénomènes acoustiques tels que les infrasons et les émissions otoacoustiques (sons émanant de l'intérieur de la tête, générés par les oreilles elles-mêmes) jouent un rôle important dans son travail, tout comme une mauvaise utilisation délibérée et créative de l'équipement.

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Programme

– Création (2022) 20’00"

Pour ce concert, Thomas Ankersmit présentera du nouveau matériel, basé sur une structure souple plus proche des ambiances cinématiques et de la musique concrète que son travail habituel ; ce projet est une commande de la Fondation Gaudeamus (Pays-Bas).


Une musique formée d’une succession de scènes et de perspectives sonores créés sur le synthétiseur analogique Serge Modular, sans aucun effets numériques ou autres manipulations. La musique s’insère dans la tension entre l’abstraction et la représentation, alors que Thomas Ankersmit cherche à insuffler la vie dans le corps électrique de l’instrument.

Jessica Ekomane

Jessica Ekomane est une compositrice et artiste sonore française établie à Berlin. Dans sa musique et ses installations souvent spécifiques aux lieux ou médiums qui l'accueillent, elle s'intéresse aux situations dans lesquelles le son agit comme élément de transformation pour l'espace et l'auditeur. Ses performances en quadriphonie, caractérisées par leur affect physique, recherchent un effet cathartique à travers l'interaction de phénomènes psycho-acoustiques, la perception des structures rythmiques ou l'alternance entre bruit et mélodies. Ce travail sonore se fonde sur des questions telles que la relation entre la perception individuelle et les dynamiques collectives, ou l'investigation des modalités d'écoutes et leur ancrage social. Son premier album Multivocal est sorti en 2019 sur Important Records. (Omaha).

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Programme 

Manifolds (2022) 17’27" – création canadienne

Manifolds est une commande de l’INA grm. Elle a été créée à Paris le 8 mai 2022 dans le cadre de la troisième édition de la série Focus, au Centquatre.